"Tiden gjør narr av oss alle," sa matematikeren Eric Bell. Det er et sitat du sannsynligvis har noen ganger, vanligvis når noen klager over tapet av de gode gamle dager eller noen nåværende omstendigheter. Det er et deprimerende ordtak som blir desto mer tragisk av hvor sant det ofte viser seg å være. Filmfans vet dette godt. Ofte husker vi noen eldre filmer fra ungdommen som flotte, eller hører om en eldre film som har blitt ansett som en klassiker, og er skuffet når vi sjekker den nå for oss selv og oppdager at den ikke har overlevd tidstesten.
Den delen av sitatet som har en tendens til å bli kuttet ut, er "Vår eneste trøst er at større skal komme etter oss." Noen ganger er det fristende å forsvare klassiske filmer gjennom årene som feilfrie eksempler på hva filmer er i stand til på sitt beste. Vi setter dem på en sokkel så høyt at vi er bestemt til å se opp til dem for alltid, og aldri helt nå de umulig høye høydene. Sannheten i saken er at tiden kan gjøre narr av selv de største filmene (for ikke å snakke om mer moderne storfilmer). I stedet for å ignorere det, er det kanskje bedre å huske at det baner vei for større ting som kommer.
Her tar Screen Rant de 15 klassiske filmene som har gått dårlig ut.
15 Mean Streets (1973)
Den elskede filmkritikeren Roger Ebert omtalte en gang Mean Streets som "et av kildepunktene til moderne filmer." Mange fans velger imidlertid bare å huske det som den første sanne Martin Scorsese-filmen. Selv om det ikke er nøyaktig kronologisk, er det nøyaktig åndelig. Dette er filmen som etablerte Scorseses kjærlighet til grovt språk (den satte rekord for mest bruk av F-ordet), realistiske skildringer av kriminalitet i byen, og bruk av lisensiert musikk for å sette scenen. Det er en stil som Scorcese og mange andre regissører fortsatte å etterligne og perfekt gjennom årene.
Det er en del av problemet med Mean Streets. Det er et grovt utkast som ville bli redigert av mange store visjonærer (spesielt Scorsese selv) til det ble et tidløst mesterverk i filmer som Goodfellas. Det er elskelige forekomster av amatørfilm i Mean Streets (kampscener som ikke føles koreografert), men mye av filmen føles slurvete i stedet for rå. Taxi Driver, en Scorsese-film utgitt bare tre år etter Mean Streets, har ikke mistet noe av bittet sitt over tid. Det er vanskelig å si det samme for denne filmen som en gang var lett å rose for å være en annen slags krimfilm.
14 The Birds (1963)
De aller fleste klassiske Hitchcock-filmene har eldet seg utrolig bra. Det er faktisk litt skremmende hvordan filmer som Rear Window, Vertigo og North By Northwest fremdeles har få moderne filmverdier. Det som er bra med Hitchcocks beste filmer, er at de har en måte å fullstendig fordype deg i deres verdener. Hitchcock brukte kameraet sitt som en pensel for å nøye detaljere hver tomme av hver ramme. Det er dette nivået av kontroll som hjalp ham til å bli "The Master of Suspense".
Få av disse tidløse egenskapene dukker opp i The Birds. Det er noen øyeblikk med filmskapende skjønnhet i The Birds, men dette er Hitchcock på sitt mest uinspirerende (noe som ikke er så mye fornærmelse som du tror det er). Så mye av den første berømmelsen denne filmen fikk, hadde å gjøre med filmens spesialeffekter. Nå som disse effektene er så utdaterte, blir det mye vanskeligere å virkelig kjøpe inn hele "fuglene bestemmer seg for å begynne å angripe mennesker". Tatt i betraktning hvor mye kjørelengde filmen prøver å komme seg ut av det premisset, er det et problem. Så langt som langsiktig effektivitet går, holder ikke dette et lys for Hitchcocks tidligere sjangerinnsats, Psycho.
13 Breakfast At Tiffany's (1961)
Det er lett nok å se hva folk så i Breakfast At Tiffany's da den først ble utgitt i 1961. Det var en bearbeiding av en hitroman, den spilte den makeløse Audrey Hepburn i en ikonisk rolle, og filmen er spilt utrolig bra (det beste art direction Oscar er velfortjent). Det var en romantisk komedie i ånden av klassiske filmer som It Happened One Night, men med akkurat nok moderne relevans til å gi den et forsprang. Se filmen nå, men du vil sannsynligvis fokusere på et par ting som publikum den gang ikke gjorde.
Den mest bemerkelsesverdige blant disse moderne åpenbaringene er den fryktelig rasistiske rollen til Mr. Yunioshi, som spilt av Mickey Rooney. Det er en filmanomali ved at det er en skildring som er så åpenbart rasistisk at den nesten overgår rasisme. Ser du utover selv de tydelig daterte elementene, har du fortsatt en film som ikke finner poenget. Truman Capotes frokost hos Tiffany fortalte den hjerteskjærende historien om en ung jente som prøvde å finne veien i en grov by. Filmens største synd er at den “Hollywoodiserte” så mange av de originale historielementene på en måte som moderne publikum ofte demoniserer studioer for.
12 Saturday Night Fever (1977)
"Men Saturday Night Fever er et øyeblikksbilde av 70-tallet!" sier du kanskje. I så fall tar du absolutt ikke feil. John Badhams film fra 1977 om et barn fra Brooklyn ved navn Tony som bare prøver å ha det bra og kanskje finne litt berømmelse som den beste danseren i hans hjørne av verden, fanger absolutt ånden på 70-tallet. Filmens mote er vanligvis det mange tenker på når de prøver å forestille seg ungdommen i denne perioden. Det er soundtrack for alltid foreviget Bee Gees og andre disco-legender, dansescenene er flotte, stemningen er livlig og retningen er ganske på punkt.
Årsaken til at Saturday Night Fever er datert har ingenting å gjøre med musikk eller mote og har alt å gjøre med karakterer. Tony blir mest sjenerøst beskrevet som et kjøtthode. Han har et ensrettet sinn som vanligvis fører til at han prøver å ha så mye sex som mulig eller på annen måte heve unødvendig helvete. I denne tiden før epidemien, som kanskje hadde vært lettere å svelge, men de promiskuøse alfa-mannlige eventyrene til Tony og hans gruppe med tomhodede, spenningssøkende venner er krøllverdige i dag. Tonys voldtektsforsøk på Stephanie etter en dansekonkurranse vil sannsynligvis være det øyeblikket moderne seere bare velger å gå videre til noe annet.
11 vitner for påtalemyndigheten (1957)
Witness For The Prosecution var absolutt ikke den første dramafilmen i rettssalen, men det er lett å spore sjangeren slik vi kjenner den nå tilbake til denne filmens innflytelse. Det er historien om en mann som er anklaget for drap til tross for sakens tunge omstendige bevis. Ting når et punkt der både påtalemyndigheten og forsvaret innser at hele saken kan henge på vitnesbyrd fra tiltaltes kone. Resten av historien spilles ut gjennom en rekke vendinger, den typen vi så ofte knytter til slike rettssalsepos.
For så nyskapende som filmen var i så måte, avslører den også alderen i hvordan disse øyeblikkene spiller ut. Hendelsene i rettssaken er ment å sjokkere og overraske seerne, men mye av sjokket har blitt utvannet gjennom årene av selve sakens vanilje. Med tanke på noen av tragediene vi hører om daglig, registrerer en eldre rik kvinnes drap seg knapt. Det hjelper absolutt ikke at noen av de viktigste øyeblikkene i filmen blir levert på en utrolig skin-fisted måte. Faktisk, Marlene Dietrichs skrik av "Damn You!" er der oppe med Darth Vader's "Nei!" når det gjelder dramatiske leveranser ble komiske. La oss håpe den kommende nyinnspillingen (muligens regissert av Ben Affleck) har større vekt i årene som kommer.
10 Rebel Without A Cause (1955)
I en tid da amerikanerne akkurat begynte å bli klar over begrepet tenåringer som deres egen ungdomsgruppe, kom Rebel Without A Cause sammen og forsøkte å appellere til denne spirende demografien. Dette var filmen som lovet å endelig skinne et lys på denne misforståtte generasjonen. På grunn av dette vakte det like mye kontrovers og utmerkelser. Hele nasjoner fryktet dens makt til å anspore til opprør fra tenårene. Andre hyllet det ganske enkelt som en revolusjon.
I dag er det langt lettere å behandle filmen som en parodi av sin tid. Faktisk er det mange aspekter av denne filmen som har blitt parodiert. Over-the-top-gjengene (vi er et dansenummer borte fra West Side Story i denne), den over-the-top-skuespilleren (James Deans "You tearing me apart!" Var inspirasjonen til The Room's levering av samme linje), og den frodige bruken av eldre skuespillere som spiller tenåringer er alle verdige til en solid øye-rulle. Nesten alt i denne filmen ble designet for å generere en følelsesmessig reaksjon fra publikum fra tiden. Nå er det mer sannsynlig at denne utilsiktede komedien genererer latter.
9 True Grit (1969)
True Grit er historisk sett på et underlig sted. Den ble utgitt i 1969, tre år etter The Good, The Bad, og The Ugly og samme år som Butch Cassidy and the Sundance Kid. Kort oppsummert, det kom ut på en tid da den vestlige filmen begynte å bli litt skittenere. Til tross for navnet prøver ikke True Grit å utnytte denne nye stilen. Det er en klassisk type vestlig utgitt på en tid da sjangeren modnet.
Det er en del av grunnen til at filmen er litt vanskeligere å ta i disse dager. Den har ikke helt den ufiltrerte uskyldige sjarmen til tidlige vestlige, og den mangler også den mørke modenheten til noen av sine samtidige. Den gamle skolen som filmen så tungt inneholder John Wayne, blir også et tema. Hans ytelse er absolutt magnetisk, men det koster nesten alle andre. I motsetning til Coen Brothers versjon av filmen, som skildrer støtteheltene som likeverdige, er 1969-versjonen helt klart John Wayne-showet. Det er en utdatert ledende mann-mentalitet som gjør visse biroller (spesielt Glen Campbells La Boeuf) nesten uutholdelige.
8 En affære å huske (1957)
En affære å huske begynner med et relativt enkelt premiss. Nickie Ferrante (Cary Grant) løper over Terry McKay (Deborah Kerr) ved et tilfelle. Begge er i forhold, men de er tydelig tiltrukket av hverandre. Som sådan blir de enige om å møtes igjen om et halvt år på Empire State Building for å se hvor de står i livet. I en sjokkerende vri på hendelsene blir Terry truffet av en bil på vei til Empire State Building. Som sådan gjør hun ikke møtet og legger ingen planer om å møte Nickie igjen.
Her begynner filmen å datere seg selv. En affære å huske er faktisk en nyinnspilling av en film fra 1939 som heter Love Affair, som blir tydelig når du begynner å tåle en serie osteaktige romantiske linjer som "Vinteren må være kald for de uten varme minner" og "Hvis den hadde å skje med en av oss, hvorfor kunne det ikke vært meg? ” Dette ekstreme nivået av sappighet forringer et premiss som allerede var på ustø grunn med sitt ”Kan en mann virkelig elske en kvinne i rullestol?” plott.
7 The Sound of Music (1965)
Er det noe som heter en hard G-vurdering? I så fall tjener The Sound of Music det. Først og fremst, la oss være tydelige på at uskyldige musikaler fra tidligere tider ikke automatisk eldes dårlig. Mary Poppins er for eksempel en fremdeles en veldig smart og vellaget familiefilm. Singin 'in the Rain er også en spesielt strålende film om en overgangstid i filmproduksjon som tilfeldigvis er en musikal. Sound of Music er imidlertid en musikal for å være en musikal.
Produksjonsmessig er de feiende landskapstoppene som alltid vises når filmen blir fremhevet, fortsatt imponerende. Det som vanligvis ikke vises i disse høydepunktrullene, er de nesten tre timene med meningsløs prangende og langstrakte musikalske tall designet for å kun appellere til syngende sycophants. Filmen er i høyeste grad et produkt av sin tid i den forstand at den presenteres som en strålende hyllest til den veldig populære live-action musikalsjangeren. Det fungerte ganske bra for publikum i 1965, men i 2016 vil de som vil se en flott Hollywood-musikal finne mange alternativer som har mye mer fortellende formål. De beste delene av denne kan høres på det offisielle lydsporet.
6 The Birth Of A Nation (1915)
Det er to forskjellige standpunkter når det gjelder DW Griffiths The Birth of a Nation. Den første er at filmen uten tvil er den viktigste filmen i filmproduksjonens historie. Alle som har sittet på en filmskoleklasse har hørt dette perspektivet. For en film laget i 1915, ser The Birth of a Nation nesten ut som om den kunne ha blitt skutt de siste 10 årene. Det andre synspunktet identifiserer passende denne filmen som en av de mest åpenbart rasistiske filmene som noensinne er laget. Det har sannsynligvis noe å gjøre med det faktum at det fremstiller Ku Klux Klan som nesten ubesmittede helter.
Etter hvert som tiden går, begynner kontroversen å oppveie filmens filmspor. Det er ikke lett å se på Birth of a Nation og komme forbi de mest daterte sosiale elementene. Det er et hinder som ikke blir mye lettere å fjerne når du innser at denne filmen førte til fornyet interesse for KKK-medlemskap og opprinnelig het The Clansman. Den produktive bruken av blackface gjennom filmen er bare den siste spikeren i kisten.
5 Easy Rider (1969)
Du kan ikke overvurdere effekten som Easy Rider hadde på amerikansk filmproduksjon. Det er med rette anerkjent som filmen som hjalp til med å sette i gang det som ofte kalles New Hollywood-tiden. Denne epoken er preget av studioers vilje til å la amerikanske regissører påta seg en auteurrolle og ha kreativ kontroll over sine egne filmer. Sosialt snakket filmen til en generasjon amerikanere som bodde midt i et kulturelt klima i endring. Den omfavnet lokken på den åpne veien mens den taklet fasene til visse kulturelle normer.
Bare fordi en film er viktig, betyr det selvfølgelig ikke at den nødvendigvis har eldet seg godt. Det er problemer med denne filmen fra et teknisk perspektiv (for det meste relatert til historiestruktur), men det virkelige problemet er Easy Riders budskap. Motkulturstemaene har lett gjenklang med en generasjon som har blitt sjelden snakket med av filmer, men eventyrene til Wyatt og Billy vil trolig komme over som egoistiske og grunne når de blir sett på i et moderne lys. Denne filmen snakket en gang med folk. Nå roper det på dem med en sliten retorikk.
4 Bonnie og Clyde (1967)
For å være rettferdig var det ganske mange mennesker som ikke var så gale med Bonnie og Clyde da de ble løslatt. De som ikke likte filmen, oppga ofte volden og det seksuelle innholdet som årsaken til misnøyen. Dette var en av de første store utgivelsene i amerikansk filmhistorie som virkelig sensasjonaliserte vold ved å ikke skyr unna å vise den i sin helhet. Squibs ble brukt ganske liberalt for skuddeffekter. Det hadde heller ingen betenkeligheter med å spille opp det svært seksuelle forholdet mellom hovedpersonene. Til slutt ble filmen imidlertid anerkjent som en historisk viktig utgivelse som endret måten amerikanske filmer fremstiller vold på.
Siden den gang har det kommet en mengde filmer som får Bonnie og Clydes vold til å ligne en tegneserie på lørdag morgen. Det ville være nesten umulig for noen som jevnlig har sett filmer de siste 20-30 årene å se Bonnie og Clyde og føle seg sjokkert over alt de så. Uten den samme følelsesmessige reaksjonen som filmen en gang genererte, blir Bonnie og Clyde mye mer bemerkelsesverdige for sin ofte outlandish presentasjon og slurvet historiefortelling. Det gir en ganske underholdende innkjøringsfilm, men ikke en film som ville være en kjære i henhold til dagens standard (den ble nominert til 10 Oscar helt tilbake da).
3 The Towering Inferno (1974)
På tidspunktet for utgivelsen var The Towering Inferno en ganske god idé for en større film. I fotsporene til The Poseidon Adventure pakket denne filmen så mange stjerner som studioet hadde råd til i en bygning som har tatt fyr og raskt faller fra hverandre. Det var en katastrofefilm før den tittelen nødvendigvis ble brukt på sjangeren, og publikum ble trukket av dens stjernekraft og skuespill. Det er faktisk en forløper for den moderne blockbuster på den måten.
Det har vært mange storfilmer gjennom årene som ikke har eldet seg bra, men The Towering Inferno skiller seg ut på et par måter. For det første, mens Paul Newman og Steve McQueen alltid er store trekkplaster, vil ikke filmens stjernekraft overskride generasjoner med mindre du alltid har ønsket å se Fred Astaire og OJ Simpson i samme film. Fly! Ekspertekseksjonen av hele denne undergenren gjorde heller ikke denne filmens dramatiske øyeblikk noen tjeneste. Man kan bare ta så mange "I tilfelle jeg ikke ser deg igjen" siste kyss og "Få tak i deg selv kvinne!" øyeblikk før du innser at dette absolutt var et produkt av en annen tid.
2 andesuppe (1933)
Du tror kanskje at filmer fra 20- og 30-tallet bare er enkle å plukke. Hvor mange ting eldes egentlig bra etter nesten 100 år? Det er virkelig ganske mange filmer fra den perioden som fremdeles er relevante i dag. Verkene til Charlie Chaplin er for eksempel bemerkelsesverdige for sin humor og overraskende følelsesmessige dybde. Det samme kan ikke lett sies om The Marx Brothers. Harpo, Groucho, Gummo og Zeppo Marx var en komisk gruppe som en gang var skålen for tidlig kino. Mens de hadde mange populære filmer, har få blitt så betydningsfulle som Duck Soup fra 1933.
Å se Duck Soup nå tilsvarer omtrent det å se en stand-up komiker kaste vits etter vits mot publikum. Et par kan lande, men det handler mer om ren volum enn god humor. Den stilen er absolutt datert alene, og Duck Soup hjelper ikke sin egen sak ved å fokusere på politisk humor. Ikke bare kommer mange av filmens referanser til å fly over hodet på den gjennomsnittlige moderne betrakteren, men det betyr at selv de beste vitsene kommer over som de gamle politiske tegneseriene der vitsen er tydelig merket, for å unngå potensiell forvirring.
1 Gone With The Wind (1939)
Gone With The Wind er så synonymt med klassiske filmer at det nærmer seg meme-status. For eksempel, hvis du spiser en god pølse, kan du si "Det var borte med pølsens vind." (Vel, kanskje du.) Det er en filmepos i ordets rette forstand. Denne filmen spenner over flere forseggjorte steder og presenteres i strålende farger, og ble laget for sjokkerende 3,85 millioner dollar (omtrent 66 millioner dollar i dag), og nesten hver dollar av budsjettet vises på skjermen. Det satte en produksjonsstandard som ikke ville bli lik de årene som kommer.
Det er også ganske utdatert på mange måter. Fra et filmskapersynspunkt er de uttrukne scenene og den altfor dramatiske forestillingen ikke lenger like fordøyelig som de en gang var. Du har også flere uheldige øyeblikk med tilbakevendende politiske meldinger hele tiden. Borte med vinden Skildringen av slaveri og det "gamle sør" generelt blir ofte smertefullt romantisert. Det er også saken om scenen som involverer Rhett som tvinger seg til Scarlett for å gi her "hva som kommer til henne." Det var en gang en filmomantikk, men nå blir det oftere referert til som voldtekt. Rhetts forklaring om at hans handlinger var berettiget fordi han hadde for mye å drikke, absolutt ikke lindrer problemet.
---
Hvilke andre filmklassikere føler du har eldet dårlig? Gi oss beskjed i kommentarene.