På 1960-tallet satte skrekken seg rett ved siden av publikum. Det sluttet å handle om tingen under sengen og ble om personen ved siden av deg. Filmer som The Innocents, The Last Man On Earth, Village of the Damned, The Sadist, Village of the Damned, Hour of the Wolf, Black Sunday, Carnival of Souls, Blood Feast, The Whip & The Body ogFrankenstein må ødelegges (hver like fortjent til et sted på denne listen) rev bort ideene våre om oppførselen til ondskapen på skjermen.
Den luret nå overalt og gjemte seg i tydelig syn. Det så ut som våre venner og naboer. Tankene ble mer forstyrret, og kreftene ble vanskeligere å regne med. 1960-tallet er sannsynligvis den mest fruktbare kreative perioden i all filmhistorie; grensene ble brutt og nye språk ble oppdaget.
Her er noen av filmene som hadde godt av en global undersøkelse av den psykologiske og fysiske faren ved å være menneske, 1960-tallets 10 beste skrekkfilmer.
10 Psycho (1960)
Psycho utsatte ikke bare Amerika for skrekkfilmens potensial for å skjule et selvtilfredstillende publikum ordentlig, det forandret måten amerikanere forholder seg til psykisk sykdom i popkulturen. Norman Bates og moren hans var amerikanske kinos mest gripende eksempler på sosial uro, og nå er bare navnet "Norman Bates" kortfattet for en mann med en mørk hemmelighet. Mens Hitchs tidligere arbeid, som Rear Window, The Wrong Man eller Sabotage, åpnet den urovekkende muligheten for at verdens overflater er løgner som venter på å bli utsatt, omdefinerte Psycho hvordan en film kunne fortelle sin historie, og åpnet mulighetene for skrekkfilmer i generasjoner fremover.
Marion Crane (Janet Leigh) stjeler mye penger og går på lam og stopper for å hvile på Bates Motel. Hun sjekker aldri ut. Hitchcock ønsket at en filmbillett skulle være en garanti for at ens virkelighetsbegrep ble endret på en mest mulig elektrifiserende måte. Det er ikke bare den berømte dusjscenen (sjokkerende i 1960) eller filmens beryktede vri som ga Psycho sitt rykte, det er også måten skrekkhistorier kunne fortelles i film. Filmene hans utfordret handlingen av å se, forstå hva bilder og lyder forteller oss. Etter Psycho ville han bli mer eksperimentell fordi han hadde gjort alt han kunne med en rett frem fortelling - han hadde undergravet forventningene til en tradisjonell utbetaling ikke lenger ville være nok. Psycho drepte USAs følelse av trygghet under underholdning.
9 Peeping Tom (1960)
Michael Powells klassiske fortelling om voyeurisme og drap var den tålmodige nullfilmen. Powell, en gang i spissen for den britiske kinoen, lagde filmen mens han var på utkikk etter den nasjonale filmindustrien og ga den ut til sturen. Det er ikke vanskelig å se hvorfor publikum vil avvise en slik film: den blir hjertet av de urene motivasjonene hos alle som satte seg for å se den. Det tar film for hva det er - en måte å oppleve liv og dødsfall vi ikke har noe å si på. Det gjør oss til Gud mens vi plasserer oss i den trygge livmoren i et mørkt teater i 90 minutter.
Peeping Tom har fått sitt rykte reddet siden den kontroversielle åpningen, men de naysayers forsto noe om det strålende avvikende arbeidet. Å se filmer, spesielt seksuelt ladede skrekkfilmer som Peeping Tom der kameraet selv fungerer som et fallisk drapsvåpen, er en grunnleggende unaturlig måte å bruke tiden på. Powell, som ga oss hele fantasyverdener for publikum i filmer som The Tales of Hoffmann, A Matter of Life And Death, Black Narcissus og The Red Shoes, visste at filmer var et djevelens verktøy - og han inviterte alle til søt forbannelse med åpne armer.
8 øyne uten ansikt (1960)
Kirurgisk skrekk, kroppsskrekk, identitetskriseskrekk - de begynner alle for alvor med denne skremmende filmen fra Georges Franju. Eyes Without A Face skapte en rik vifte av filosofisk, psykoseksuell forfatterskap og grotesk vitenskapelig blodsletting i filmer som Murders in the Zoo and Torture Ship, og skapte en helt ny identitet for gallisk redsel som det fremdeles blir referert til (høyt anerkjent østerriksk sjokkerende Goodnight Mommy er bare den siste som betaler det leppetjeneste).
Franju's foruroligende mesterverk angår en kvinne (Edith Scob) som har mistet det vakre utseendet sitt i en bilulykke. Hennes far (Pierre Brasseur), en kirurg, prøver å hjelpe dem med å få dem tilbake på noen nødvendig måte. Nemlig ved å bortføre lokale jenter og stjele ansiktene deres for å sy på den stakkars jenta, som gjemmer seg bak en maske i mellomtiden. Skyld er temaet her, og mortifikasjon av kjøtt blir en løslatelse for følelser av skyldfølelse. Karakterer klør i kløe som aldri vil bli fornøyd, og etterlater de infiserte severdighetene blodig og smittet.
David Cronenberg, Brian Yuzna, Stuart Gordon, Leos Carax, Nacho Vigalondo, Billy Idol og Jesus Franco er bare noen av filmens disipler, og det er alltid plass til en til.
7 The Haunting (1963)
En fantastisk gammeldags spøkelseshistorie, The Haunting vet nøyaktig hva de skal gjøre med det overdådige studiobudsjettet. Praktiske effekter blandes med en atmosfære av antydet ondskapsfullhet (regissør Robert Wise studerte under Val Lewton, den ubestridte mesteren av filmatmosfære), og det hele kulminerer med en spiralende nedstigning til galskap.
Det er fire frie ånder i sentrum av filmen som er enige om å tilbringe litt tid i et antatt hjemsøkt hus for å studere effekten av et ondt miljø på menneskelig oppførsel og omvendt. Det som er fantastisk med filmen er at den ikke vil forplikte den ene eller den andre måten til å forklare fenomenene som påvirker karakterene. Blir de forestilt av en av dem, den øy-øye Eleanor (Julie Harris), eller tegner hun dem ut av huset? Det grå området der filmen deponerer sine besøkende er mye mer skremmende enn noen konkrete svar den kunne ha gitt.
Wise gjør det klart at interessen hans er i det menneskelige sinnet og måtene det kan bli ført bort når det henger fast på en ide: romantikk, eiendom, overnaturlige krefter. Wise bringer oss til denne oppdagelsen med noen få kjeve-slippende sekvenser (en scene med en smidig dør er fremdeles en av de mest skremmende tingene i hele film).
6 The Birds (1963)
Etter å ha eksperimentert med hvordan strukturen i en skrekkfilm kan påvirke publikummet sitt med Psycho, bestemte Hitchcock seg for å undergrave skrekksjangeren ved å holde igjen på eventuelle fremmede elementer. The Birds har ingen musikk, ingen analyse, ingen forklaring på hendelsene eller karakterene, det er bare en rask svømmetur i stormfulle farvann.
Melanie Daniels (Tippi Hedren) ønsker å spille en prank av sjarmerende mammas gutt Mitch Brenner (Rod Taylor) ved å bringe to kjærlighetsfugler opp fra San Francisco til morens hus i kystbyen Bodega Bay. Sammen med sin storby-amoralitet, bringer hun tydeligvis en freak naturlig perversjon. Fugler begynner å angripe og drepe folket i Bodega Bay venstre og høyre. Dets blankhet - ingen grunn gitt for aviær-trusselen, ingen spesiell vekt på deres ankomst - lar seerne fylle ut betydningen selv. Fuglene vil aldri miste sin styrke til å forføre, og forblir en enestående fortryllende, forvirrende opplevelse alle disse årene senere.
5 Onibaba (1964)
Det er dusinvis av overordnede japanske skrekkfilmer på 1960-tallet (Kwaidan, Jigoku, Kuroneko) som kan sitte komfortabelt på denne listen, men det er noe som er arresterende primært ved Onibaba fra 1964 som får den til å føle seg essensiell.
I det 14. århundre Japan tjener to kvinner (Nobuko Otowa og Jitsuko Yoshimura) penger ved å drepe øde soldater og selge våpnene og rustningen mens de venter på at den brødrørende følgesvennen deres - en sønn til den ene kvinnen og en elsker til den andre - skal vende tilbake fra krigen. I stedet får de hans ingen kjæreste venn Hachi (Kei Satō). Når den yngre kvinnen bestemmer seg for å slutte å vente på at hun hadde tenkt å komme tilbake og ta opp med Hachi, sender den den eldre kvinnen inn i en sjalu raseri. Ankomsten av en ørken med en fryktinngytende maske gir henne en stygg ide om hvordan hun skal avgjøre kontoer med de uekte filanderne.
Onibaba er en lærebokstilfelle om mindre er mer. Den åpne halvtimen er viet til å plassere karakterene i et hav av vill vass som omgir hjemmene sine. Det er en ro, men flyktig og uærlig, til åkrene som omslutter dem. Roen blir dermed lett og kraftig brutt av den minste inntrenging, noe som gjør enkle ting virkelig skremmende. Regissør Kaneto Shindô var en av de store figurene i den japanske New Wave, og han forsto dynamikken bedre enn nesten alle jevnaldrende. Det er stille som skremmer og tvinger, ikke støy. Stille skaper forventninger om at når det går i stykker, sender skjelv nedover ryggraden til en seer betinget av å forvente visse ting fra en fortelling. Onibaba forvrenger nervene og festene over våre menneskelige driv og sympati.
4 avsky (1965)
Selv om den utmerket realiserte og ganske skremmende Rosemary's Baby er skrekkfilmen Roman Polanski huskes best for, er hans tidligste sjangerfilm faktisk hans definitive uttalelse om plagene i menneskets eksistens. Frastøt finner en jomfru Carol (Catherine Deneuve) igjen for å oppklare seg i en trang leilighet i en merkelig by. En fransk kvinne som deler en leilighet med søsteren i London, alt om hennes elendige oppførsel antyder at hun er for skjør til sitt eget beste.
Når søsteren lar henne være i noen dager, forverres Carols mentale helse med alarmerende hastighet. Fantomarmer bryter gjennom veggene for å fange henne, rare menn ligger og venter på å angripe henne, og hvert nytt menneskelig ansikt kunngjør et farlig møte som venter på å skje. Rosemary's Baby fanger opp terroren fra morsrollen; Frastøting zoomer ut litt for å avsløre den skremmende virksomheten med å være kvinne i en maskulin verden og bringer all omverdenes redsler inn i den antatte sikkerheten i hjemmet.
3 Night of the Living Dead (1968)
I Night of the Living Dead, Season of the Witch, Martin and Dawn of the Dead ga regissør George A. Romero amerikanske skrekkfilmer en sosial samvittighet som den aldri har tapt - og i mellomtiden skapte han den moderne zombien. Disse filmene var Rorschach-tester. Visst, Romero hevder det var bekvemmelighet som førte til at han spilte svart skuespiller Duane Jones som hovedrollen i sin film (noe som kan være sant - han er helt klart den beste skuespilleren i rollebesetningen), men at tilfeldigheter ga filmen en varig innvirkning. Jones har til oppgave å ikke bare unngå de kjøttspisende vandøde, men også de lokale rifleutøvende joklene som er hans reddere.
Romero var en arbeiderklassefilmskaper - en vanlig fyr som interesserte seg for andre vanlige karer - og han førte arbeiderklassespørsmål i forgrunnen gjennom redsel. Hans zombier er den voldsomme fordommer til USAs storverdige flertall, og de skiller den sosiale samvittigheten som lever fra dem som bare venter på zombier. Hans senere arbeid ville bli mer åpenlyst politisk, men det er en rå, rasende understrøm som holder den helt dystre Night of the Living Dead livsviktig og skremmende uansett når du ser på den.
2 Witchfinder General (1968)
Vincent Price var skrekkens gentemann. Han inviterte deg til å sette deg ned, ta av deg frakken og la filmene skremme resten av klærne dine. Hans kjæreste klang var umiskjennelig og hans eleganse umulig å skjule uansett hvor tykk og imponerende sminke. Han kunne lage en historie om rotter fanget i en vegg høres ut som det søteste på jorden. Så det er mest imponerende at regissør Michael Reeves fant en virkelig uhyggelig forestilling under den elegansen og lette nåden.
I Reeves sin avsluttende film, spiller Price Matthew Hopkins, Witchfinder General, Conquerer Worm (som filmen ble kalt i utlandet), en mann som ble sendt for å rense England for sitt begynnende hekseproblem. En gudsgodkjent autoritet holder ham oppreist når han med glede stuper inn i sin foraktelige oppgave. Hans sikthet og suavity morf til en motbydelig absolutisme, og hans søken etter å rense England en gang for alle er gripende og frastøtende i like stor grad.
Reeves døde tragisk ung etter å ha fullført Witchfinder General, men han etterlot oss tre gode verk for å huske ham - behagelig grotesk The She-Beast, breezy, psychedelic skum The Sorcerers, og den utrulige Witchfinder General, det største argumentet for empati og rasjonalitet skrekkfilmer vil trenger å lage.
1 La residencia (1969)
Guillermo Del Toro og Alejandro Amenábar har begge tatt ganske store sider fra dette elegante spanske tilbudet. En ny jente (den fabelaktige Cristina Galbó) går inn på en internatskole for alle jenter under omsorg av en ikke-tull matron (Lilli Palmer) og oppdager øyeblikkelig noe unødvendig gjemmer seg på eiendommen.
Noen ganger kalt The House That Screamed or Finishing School, er La residencia et av de tidligste og beste eksemplene på skrekkfilmer om det komplekse økosystemet til en studentdel som er smittet innenfra. Regissør Narciso Ibáñez Serrador får hver detalj i den knirke gamle skolen nøyaktig riktig. Stedet ville være skummelt nok uten et nattlig besøk fra en morder, takket være den uttrykksfulle, omhyggelige produksjonsdesignen, Serradors fantastiske retning og Lilli Palmers haukiske skoleleder, som alle tjener til å kultivere en atmosfære av frykt og ubehagelig begjær. Dette er den definitive skrekkfilmen på videregående skole, og den er moden for gjenoppdagelse.
-
Hva er favorittfilmene fra 60-tallet? Hva overgir du lykkelig marerittene dine til? Er svart og hvitt skumlere enn farge? Og still inn neste når vi tar på oss motorsagmorderne, utenomjordiske monstre og kanadiske kroppsskrekk i de 10 beste skrekkfilmene på 1970-tallet!