Å gjenskape en klassisk film er som å legge barnet opp til adopsjon. Du bør bare gjøre det hvis du har veldig behov for kontanter, og selv da er det en tragedie. Vi håper at sarkasmen her er selvinnlysende, og det samme er moderne studioers grådighet når det gjelder å ofre våre filmminner til fordel for den allmektige dollaren.
Ville du spyttet på en Van Gogh? Rediger Faulkner? Tamme Tsjajkovskij? Hvis svaret ditt er annet enn et rungende "NEI", ber du om tilgivelse. Husk: å gjøre de subtile endringene av Yodas hudfarge i den gjenbeherskede Star Wars-samlingen gjorde George Lucas til en pariah, så la dette være en advarsel til Hollywood: Du forblir relevant og viktig for kultur og politikk på grunn av din kreativitet. Fortsett å gruve den ressursen, og motstå fristelsen til å regummiere hellig grunn. Det er i din beste interesse å overlate den sanne juvelene fra filmhistorien til Criterion Collection, The Smithsonian og US National Film Registry
Vi har allerede dekket 10 filmer Hollywood Will Inevitably Remake, men her er listen over de 10 filmene Hollywood Should Never Remake:
Gone With the Wind (1936)
Tilpasning av Margaret Mitchells roman fra 1936 krevde et engasjement og storslagenhet som Hollywood aldri hadde opplevd. På mange måter ble Victor Flemings Gone With the Wind gullstandarden for filmepos. Etterlater ingen stein uten å være slått av med sin feiende visjon av antebellum sør i første halvår, og den fullstendige ødeleggelsen av USAs kamp og forsøk på gjenoppbygging i den andre, etterlater filmen fra 1939 et inntrykk som er vanskelig å riste.
Vivien Leigh, Clark Gable og Hattie McDaniel leverte noen av de mest minneverdige forestillingene i sin tid, og fylte skjermen med sterke kontraster av kvikk følelser, gammel maskulinitet og ironisk humor. Ledsaget av Max Steiners grunnlag av en score, fyrte Gone With the Wind på alle sylindere. Kan det gjøres om i dag? Bare i navn.
8 Casablanca (1942)
Tre år etter suksessen med Gone With the Wind, tøyset Hollywood-studiosystemet sammen med sin merkantile produksjon av filmer. De hadde en formel som fungerte. Da Casablanca kom ned gjedda som en tilpasning av det uproduserte skuespillet, Everybody Comes to Rick's, ble det satt i produksjonshurtigbanen for å fange zeitgeisten fra WWII under den allierte invasjonen i Nord-Afrika.
Utgivelsen av filmen viste seg å være strålende tidsbestemt, og mens Casablanca likte gode boksavkastninger og en positiv reaksjon fra pressen, hektet den seg inn i den offentlige bevisstheten godt etter den første debuten. Takket være et transcendent manus som tilbyr minneverdige linjer for hver scene i filmen, er regissør Michael Curtiz krigsdrama fortsatt en av de mest utpreget romantiske filmene som noen gang er skapt. Humphrey Bogart og Ingrid Bergman svidde skjermen. Bildet, musikken og tonen er nesten drømmeaktig, og hver gang du er ferdig med å se Casablanca, vil du spille den igjen.
7 Citizen Kane (1941)
Orson Welles var bare 26 år gammel da han regisserte Citizen Kane, og helte en modenhet og gravitas i filmen som få regissører siden har matchet. Welles er en ivrig mann på teateret, og tilbragte sine tidlige 20-årene dedikert til scenen til tross for Hollywoods økonomiske fremskritt. Da hans forsøk på å overlate ham til å trenge penger, fløy han ut til Los Angeles og signerte etter en omvisning i RKO-studioene en avtale med to bilder med dets ledere.
Sikkert, Welles hadde sosiale nåder av merket Clooney, da den første gang filmregissøren gikk bort med et heftig budsjett, uhemmet manusforfatterautonomi, og, gullstandarden for registermakt, rettighetene til endelig kutt i redigeringsrommet. I hovedsak stolte de strålende sinnene på RKO denne kunstneren fra midten av 20-tallet med nøklene til riket.
Han spilte ofte triks i studio og jobbet døgnet rundt, og laget filmen nøyaktig slik han så for seg. Ikke bare er Citizen Kane et varig ikon for vintage Hollywood, det skal utpekes som bevis på at store regissører fortjener fullstendig kreativ kontroll. Hvis publikum for hvert ti aborterte forsøk på storhet får en Citizen Kane, vil gamble "Dictator Director" slå studiobyråkrati på sikt.
It's A Wonderful Life (1946)
Mens den ofte huskes som en julefilm, er Frank Capras rørende film fra 1946 et hjerteskjærende drama i julenissekledd drag. Tanker om selvmord, av den typen George Bailey (James Stewart) opplever, er ingen latter. Kanskje det er grunnen til at de beste øyeblikkene i filmen minner oss om at vi faktisk lever et fantastisk liv.
Det er den typen film som får deg til å ville klemme familien og sakte tingen ned i et minutt. Den foraktelige skurken, Mr. Potter (Lionel Barrymore), får huden din til å krype med sin egoistiske grusomhet, og gir nesten en oppfordring til handling mot den sosiale tendensen til grådighet.
It's a Wonderful Life har sine øyeblikk med skrekk, spesielt når George Bailey ser hvordan livet ville vært uten ham. Capra dirigerer sekvensene med en mareritt kvalitet som hjemsøker like lett som forsoningsscenene endear. Ikke nok komplimenter til Jimmy Stewart for denne forestillingen, og av den grunn alene burde filmen forbli helt uberørbar.
6 Cool Hand Luke (1967)
"Det vi har her, er ikke kommunikasjon!" Så snakker den sadomasochistiske kapteinen (Strother Martin) i Cool Hand Luke, som illustrerer nøyaktig forskjellen mellom svake menn i hans ektemenn og den ukuelige ånd hos menn som Lucas “Luke” Jackson (Paul Newman). Donn Pearce og Frank R. Pierson skrev et lufttett manus som tilbød Mr. Newman sin turnékraftprestasjon på et sølvfat.
Cool Hand Luke kan aldri gjentas fordi filmen er definert av hovedrolleinnehaveren. Det merket av cocksure arroganse og dypt sittende depresjon gjorde blåøyde Newman til noe av et paradoks. Han dro av den dramatiske cocktailen i The Hustler, bare seks år før, og han perfeksjonerte sitt håndverk i tiden siden. I filmen spiller Newman en vaklende veterinær fra Korea-krigen som blir hektet på en kjedegjeng for beruset halshugging av parkeringsmaskiner.
Ting ser uhyggelig ut for Luke, men mens han soner sin dom, oppdager han sin iherdighet, og blir gjennom en serie fengselsdommer den mest respekterte mannen i fengselet. Ikke overraskende ble Cool Hand Luke en av de mest respekterte filmene i historien.
5 Gudfaren (1972)
Den som gjenskaper Francis Ford Coppola-klassikeren, vil helt sikkert være antikrist. Ethvert forsøk på å gjenspeile Corleone-eposet ville være en levende fornærmelse mot kino, for Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale og de utallige andre artister som tok Mario Puzos bok og gjorde den til et stykke ren poesi.
Hvordan begynner man å beskrive storslåttheten av klassikeren fra 1972? Den blinde bard trengte ikke å beskrive Helen of Troy mye. Hun var akkurat så perfekt. Gudfaren har mange litteraturbruk som er dedikert til det, og til tross for filmverdenens kvalmende disseksjon av gangster-eposet, vil samtalene aldri opphøre.
Temaer med respekt, ære og familie kjører dypt i Coppolas trilogi, og selv om mange av Corleones har blod på hendene, elsket de seg publikum med sin lidenskap og livskraft. Produksjonsverdiene er transcendente, og kontrastene mellom karakterer som Michael og Sonny Corleone sørger for en virkelig sydende film.
4 The Graduate (1967)
"Fru. Robinson, du prøver å forføre meg. Er du ikke? " Mike Nichols fyller sin andre film noensinne med nok falliske referanser og bilder til å rettferdiggjøre en R-rating, men hans regissøriske utspekulering og klasse utrangerte en foreldervennlig PG. Graduate ble bærebjelken i karrierer til Nichols og Dustin Hoffman, med den understrømmen av seksuell rastløshet og identitetskriser som innkapslet tiden.
Visst, å se Benjamin Braddock (Hoffman) sove sammen med den fremtredende forførende fru Robinson (Anne Bancroft), viste seg kontroversiell for tidene, men det ga publikum en av de mest humoristiske, engasjerende historiene som kommer til å komme til alder. Etter å ha funnet sted på 1960-tallet, der den kjernefysiske amerikanske familien hadde langt mindre splittelse enn atombomben, var Nichols 'skiftende jabber ved kulturen (“plast”) avansert, upåklagelig og ufravikelig.
3 On The Waterfront (1954)
On the Waterfront var basert på en håndfull artikler som ble publisert i 1949, og som utsatte brutaliteten og kampen mot New Jersey-langskytteren, noe som gjorde filmen til en mulighet i livet. Journalist Malcolm Johnson ga det ultimate kildematerialet til en film, og ga regissør Elia Kazan den typen råvarer og realisme som han alltid prøvde å finne.
Kazan var beryktet for å provosere slagsmål og usikkerhet i settene sine, og tente sikringen for det han håpet ville være en pulverkompateksjon når kameraene begynte å rulle. Terry Malloy (Marlon Brando i en av sine mest utholdende roller) representerer den allamerikanske blåkrage-arbeideren som hadde et skudd på æren og savnet, duppet til degradering av sin dupliserte mob-sjef Johnny Friendly (Lee J. Cobb, den ultimate skjermen trussel).
Til syvende og sist skinte filmen søkelyset på korrupsjonen innbakt i Hoboken Docks og ga filmgjengere et stykke liv som aldri kan replikeres.
2 Lawrence of Arabia (1962)
Peter O'Toole er tungvektig i film, og selv om han på en eller annen måte unngikk akademiets fordel og ikke klarte å vinne beste skuespiller for Lawrence of Arabia, definerte hans skildring av TE Lawrence Hollywood-helten. O'Toole er tynn og utdannet med en engelsk forskers uttalelse, og forvandler Lawrence til en strålende cowboy av arabisk sand.
David Leans epos fra 1962 skildrer sin eponyme karakter som en britisk helt som bidro til å videreføre Union Jacks suksess på den arabiske halvøy under den første verdenskrig. En vanlig John Wayne var han imidlertid ikke, og det var der O'Toole fant plass til hans førsteklasses skuespillerkoteletter. I filmen (briljant skutt av kinematograf Freddie Young) vises TE Lawrence som en komponeringsfylt kriger, i konflikt med hans voldelige og fredelige vakillasjoner. Han bærer sin skyldkjørte PTSD på sengene med beduin-plyndring, men i klassisk engelsk stil hindrer ikke hans egne bekymringer ham fra å oppfylle sin plikt.
O'Tooles Lawrence sliter med sitt ansvar, men blir aldri svelget av dem. Produsert i god tid etter utgivelsen av Gone With the Wind, kan Lawrence of Arabia med rette betraktes som en forlengelse av Victor Flemings epos, og viser Hollywood det grenseløse potensialet for filmisk historiefortelling.
1 A Clockwork Orange (1971)
Å gjenskape en Kubrick-film ville ta utrolig chutzpah. Hvordan skulle man begynne å få tilgang til den berømte regissørens møysommelige spesielle tilnærming til filmskaping? Den kanskje mest uberørbare oppføringen i oeuvren hans er A Clockwork Orange, en ekte tur ned mentalt-ustabil bane som inkluderer en av de mest sadistiske scenene som noensinne er satt til den uskyldige "Singin 'in the Rain." Stakkars Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) leder spissen for den Storbritannia-bundne gjengen av cockneyungdommer som voldtar og pirrer sin vei gjennom et stadig mer ødelagt samfunn. Det er en opprørende og sjokkerende film som angriper øynene mens vi kaster tarmstemper til vår følelse av moral og fornuft. Hvis det er noe bilde i filmen som best fanger Kubricks evner, er det utvilsomt scenen der Alex har øynene sine mekanisk latt åpne og tvangsmatte angrepsmateriale som rewires hjernen hans.
Takk, Stanley.
-
Der har du det! Hvilke klassiske filmer synes du bør være unntatt fra en Hollywood-nyinnspilling? Gi oss beskjed i kommentarene nedenfor!